알파콜렉티브 기획 <프로젝트 테>두 번째

오오니시 나가토시 & 이현승 2인전

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《a dialogue》​

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2026.07.31(금) - 08.28(금) 

오후 12시 - 오후 7시 (매주 월요일 휴관)

오프닝 리셉션 07.31(금) 오후 5-7시 

​알파 콜렉티브 서울시 강남구 신사동 551-14

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《a dialogue》 

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옻은 서두르는 법이 없다. 여느 도료와 달리 습기 속에서야 더디게 굳는 이 재료는 한 겹을 올릴 때마다 기다림을 요구한다. 충분히 굳은 표면을 살피고 갈아낸 뒤 다시 칠을 올리는 과정이 거듭되며, 비로소 고유한 깊이와 광택이 형성된다. 옻칠의 표면은 단번에 완성된 결과라기보다 반복되는 손의 움직임과 그 사이에 놓인 시간이 함께 만든 층에 가깝다.

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이현승은 도쿄예술대학 대학원에서 오오니시 나가토시(大西長利)에게 사사했다. 이후 두 작가는 각자의 자리에서 옻을 매개로 한 작업을 이어왔다. 오랜 시간 축적된 두 사람의 작업에서는 서로 맞닿는 지점과 각기 다른 조형적 태도가 함께 관찰된다. 사제라는 관계는 이 전시를 이해하는 하나의 배경이지만, 작품을 어느 한쪽에서 다른 한쪽으로 이어지는 단선적인 계보 안에만 두지는 않는다.

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오오니시에게 옻은 아시아의 문명과 생활문화가 형성된 근원에 놓인 물질이다. 그는 옻의 풍토와 생명성에 주목하며, 주와 흑이 이루는 색채와 형태를 통해 비옥한 대지와 원초적인 생명의 감각을 드러낸다. 간결하면서도 유기적인 조형 안에서 옻은 오랜 문화적 기억을 품는 동시에 현재의 감각으로 다시 구성된다.

이현승에게 옻은 자연의 깊이와 보이지 않는 생명의 움직임을 형상화하는 물질이다. 바다와 해저, 우주와 궤도에서 출발한 그의 작업은 생성과 소멸, 음과 양, 인간이 인식할 수 있는 세계의 한계를 다룬다. 겹겹이 구축된 표면과 유기적인 형태는 단순히 기법의 결과가 아니라 작가가 탐구해온 근원적 세계를 드러내는 조형적 언어가 된다.

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두 작가에게 옻칠의 반복적인 과정은 사유를 표면과 형태로 옮기는 방식이다. 칠하고 기다리고 갈아내는 시간은 재료를 다루는 절차인 동시에, 옻이 스스로 깊이를 형성하도록 두는 시간이기도 하다. 그렇게 쌓인 시간은 저마다의 조형 언어를 이루었고, 사제의 인연으로 만난 두 사람의 작업 사이에도 오래도록 흔적을 남겨왔다. 각자가 옻과 나누어온 대화와 두 작업 사이에 이어져온 대화는 하나의 결론으로 모이지 않는다. 2026년 한국에서 이어지는 《a dialogue》는 그 오랜 대화의 흐름 가운데 자리한다.
 

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Ahlfah! Collective Presents <Project Te> Part. 2

A Two-Person Exhibition by Nagatoshi Onishi & Hyeonseung Lee

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《a dialogue》

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31 July – 28 August 2026

12:00–19:00 (Closed on Mondays)

Opening Reception
31 July, 17:00–19:00

Ahlfah! Collective
551-14 Sinsa-dong, Gangnam-gu, Seoul

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Lacquer cannot be hurried. Unlike most coatings, it cures slowly in humid conditions, demanding patience with each successive layer. Once a layer has fully hardened, its surface is carefully examined and polished before the next is applied. It is only through this repeated process that lacquer acquires its distinctive depth and lustre. A lacquered surface is therefore not so much a finished result achieved at once as an accumulation of layers shaped by the repeated movement of the hand and the passage of time between each application.

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Hyeonseung Lee studied under Nagatoshi Onishi at the Graduate School of Tokyo University of the Arts. Since then, both artists have continued to pursue their own practices through the medium of lacquer. The bodies of work they have developed over many years reveal both points of affinity and distinctly individual approaches to form. Their relationship as teacher and student provides an important context for this exhibition, but it does not reduce their work to a simple, linear lineage extending from one artist to the other.

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For Onishi, lacquer is a material rooted in the foundations of Asian civilisation and the cultures of everyday life. Attentive to its relationship with its environment and to its inherent vitality, he evokes fertile earth and a primal sense of life through forms articulated in vermilion and black. Within his restrained yet organic compositions, lacquer carries the weight of long-standing cultural memory while being reconfigured through a contemporary sensibility.

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For Lee, lacquer is a means of giving form to the depths of nature and to the invisible movements of life. Drawing on the sea and the ocean floor, as well as the cosmos and orbital motion, his work explores generation and dissolution, yin and yang, and the limits of the world available to human perception. Its layered surfaces and organic forms are not merely products of technique; they constitute a visual language through which the artist articulates the primordial realm he has long sought to understand.

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For both artists, the repetitive process of lacquering is a way of translating thought into surface and form. The time spent applying, waiting and polishing is not only part of the material process; it is also the time in which lacquer is allowed to develop its own depth. Time accumulated in this way has shaped each artist’s distinct visual language and has left a lasting imprint on the relationship between their respective practices. The conversations each artist has sustained with lacquer, and the dialogue that has continued between their works, do not resolve into a single conclusion. Presented in Korea in 2026, a dialogue takes its place within the continuing course of this long exchange.

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Ahlfah! Collective 企画

Project Te #2

大西長利 × 李炫承 二人展

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《a dialogue》

2026.07.31（金）–08.28（金）

12:00–19:00（毎週月曜休廊）

オープニング・レセプション
2026.07.31（金）17:00–19:00

Ahlfah! Collective
ソウル特別市 江南区 新沙洞551-14

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《a dialogue》

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漆は、急ぐことを知らない。

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ほかの塗料とは異なり、湿度のなかでゆっくりと硬化する漆は、一層を重ねるたびに待つ時間を求める。十分に硬化した表面を見極め、研ぎ、再び漆を施す。その工程を幾度も繰り返すことで、はじめて漆ならではの深みと艶が育まれる。漆の表面とは、一度に完成されるものではない。繰り返される手の仕事と、そのあいだに積み重ねられる時間とが織りなす層なのである。

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李炫承は、東京藝術大学大学院で大西長利に師事した。その後、二人はそれぞれの場で漆と向き合いながら制作を続けてきた。長い時間をかけて積み重ねられてきた両者の仕事には、互いに響き合うものがある一方で、それぞれに異なる造形の思想が息づいている。師弟という関係は、本展を理解するための一つの背景ではある。しかし、その関係だけによって両者の作品を、一方から他方へと連なる単線的な系譜として捉えることはできない。

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大西にとって漆は、アジアの文明・文化の根源にある素材である。漆の風土と、その内に宿る生命の力に眼差しを向け、朱と黒が織りなす色彩と造形を通して、豊饒なる大地と生命の根源的な気配を表現してきた。その簡潔でありながら有機的な造形のなかで、漆は文化の記憶を宿すとともに、現代という時間のなかで新たな姿を見せている。

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李炫承にとって漆は、自然の深奥と、目には見えない生命の動きに形を与えるための素材である。海や海底、宇宙、そして軌道へと思考を巡らせながら、生成と消滅、陰と陽、そして人間の知覚が及ぶ世界の境界を問い続けてきた。幾層にも重ねられた表面と有機的なフォルムは、単なる技法の成果ではない。そこには、作家が探究を重ねてきた根源的な世界が、一つの造形言語として立ち現れている。

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二人にとって、漆を塗り重ねるという反復は、思考を表面と形へと移し替えるための営みである。塗り、待ち、研ぐ。その時間は素材を扱う工程であると同時に、漆そのものが自らの深みを育んでいく時間でもある。その積み重ねは、それぞれの造形言語を育み、師弟として出会った二人の仕事のあいだにも静かな軌跡を刻んできた。それぞれが漆と交わしてきた対話、そして二人の仕事のあいだで育まれてきた対話は、一つの結論へと収束するものではない。2026年、韓国で新たに紡がれる《a dialogue》は、その長く続いてきた対話の流れのなかに位置している。